Cuando el rock tiene voz y talento de mujer

Desde sus inicios en los años 50 hasta la actualidad, el Rock contó con una importante presencia femenina muchas veces eclipsada por el patriarcado ejercido desde distintos sectores (discográficas, productoras, medios y audiencia). Un repaso por algunas presencias femeninas en distintos momentos de la historia del Rock, ocupando distintas funciones que no se quedan en el estereotipo impuesto por la industria o clásicos que orginalmente fueron iterpretadas por mujeres, aunque las versiones mas difundidas e instaladas como «originales» hayan sido grabadas por varones años después. Una historia del rock pero por sobretodo una historia de rebedías.  Por Ramiro Giganti para ANRed

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Si bien la industria promovió muchas artistas femeninas, trataremos de salir del estereotipo impuesto donde se prioriza la figura de «artista pop» en el que lo visual desde un estereotipo de belleza o sensualidad prima por sobre el contenido artístico. La voz, la innovación, la ejecución de un instrumento, la composición o la escritura, son talentos que desde distintos sectores se planteó como un «monopolio masculino». Resulta pertinente mencionar que no solo se ha excluido a la mujer de los créditos: la presencia afrodescendiente del rock había permanecido oculta en la industria masiva durante mucho tiempo hasta que se volvió inocultable: Elvis Presley, con su rostro blanco y puro vendía millones con una genero musical tomado de las influencias negras, ya sea del blues como de contemporaneos afrodescendientes como Chuck Berry…. o Big Mama Thorton.

En los inicios, desde otros géneros al Rock (1950s – 1960s)

«Hound Dog» es recordado como uno de los principales éxitos de Elvis Presley. Su versión, publicada en 1956, vendió millones de copias y es reconocida en todo el mundo. De hecho la revista Rolling Stone, la situó en el puesto 19 entre «las 500 mejores canciones de Rock» con el crédito al cantante nacido en Memphis. Sin embargo, y no muy mencionado en los medios masivos, la primer versión de este clásico fue grabada con voz de mujer. Grabada en 1952, la versión de «Hound Dog» cantada por Willie Mae Thornton (conocida como «Big Mama») había sido un gran éxito de ventas, que incluso permaneció 7 semanas en el primer puesto en en el «Billboard Charts»: el ranking de ventas en Estados Unidos.

Además de destacarse como cantante, «Big Mama» también tocaba la harmónica. Pero no solo desafiaba los estrereotipos en ese aspecto, también era famosa por transgredir los roles de género: en sus actuaciones vestía pantalones, camisas y sombrero y, en ocasiones especiales, traje y corbata. La escritora  Katie Presley, autora de «Adventures in Feministory: Women Sing the Blues», sostiente que «Big Mama» era abiertamente lesbiana e interpretaba canciones arriesgadas sin ningún tipo de pudor. Su actitud transgresora no encajaba con los estereotipos tradicionales de la mujer afroamericana.

Si bien Big Mama Thorton tuvo otros logros como «I Smell a Rat», «Stop Hoppin’ on Me», «The Fish» y «Just like a Dog», nunca más volvió a tener un éxito semejante al que había tenido con «Hound Dog». Con problemas por su adicción al alcohol su salud empezó adañarse en la década de 1970. sufrió un accidente de transito del que logró recuperarse e incluso se presentó en el presitigioso Festival de Jazz de Newport en 1983, Big Mama Thorton falleció de un ataque al corazón el 25 de julio de 1984, a los 57 años de edad.

Un caso similar al de «Hound Dog», fue el de  «Don’t Let Me Be Misunderstood», canción asociada al grupo The Animals, que la interpretó por pirmera vez en 1965, pero que había sido compuesta  por Bennie Benjamin, Gloria Caldwell y Sol Marcus para la cantante y pianista de Jazz, Blues y Soul norteamericana Nina Simone, quien la grabó por primera vez en 1964. La canción luego fue verionada por una enorme cantidad de artistas en distintos años, desde Joe Cocker, Dire Strats, Nazareth, hasta Lady Gaga el año pasado. Sin embargo, la versión orginal de un clasico del rock pertenece a otra mujer afrodescendiente: Eunice Kathleen Waymon, más conocida por su nombre artístico Nina Simone. Quedará para otra nota un repaso por la riquísima historia artística y de vida de Nina, sus composiciones y su militancia, pero no podía estar ausente en este repaso. Recientemente Nina fue inducida al «Rock n Roll Hall of Fame», decisión que probablemente no haya sido de su agrado ya que ella no se consideraba una artista ni de Rock ni de Jazz, ya que consideraba a esos géneros etiquetas. «Mi música es música clásica negra» había declarado  años atrás.

Otro ejemplo pertinente de una artista femenina de otro genero musical, como es el jazz, que incursiona en el Rock con su sello personal, y aportando voz y talento con características únicas es el de Ella Fitzgerald y su contundente interpretación de » sunshine of your love», escrita por  Eric Clapton, Jack Bruce y Pete Brown para el grupo de Rock Psicodélico Cream en 1968. La interpretación de Ella soprende, no por el talento ya conocido de la artista, sino por la potencia de su interpretación acorde a un genero que no era el propio. La interpretación de Ella, con sus potentes agudos, y fraseo «roquero» con un estilo mas parecido a Janis Joplin o anticipándose al estilo de «rock duro» con el que cantantes como Robert Plant en Led Zeppelin o Ian Gillan en Deep Purple se convertirían en referentes de la historia del género.

¿Se anima alguien a decir que esta versión de Ella Fitzgerald «no tiene rock»?

https://www.youtube.com/watch?v=pKTg6VhkafU

Durante estos años se empezaron a gestar los primeros pasos de lo que sería la «música pop», donde ya se proyectaban artistas femeninas estereotipadas (mas allá de su talento musical) desde el sello Motown Records, grupos como The Supremes o Martha and the Vandelas tendrían un éxito sin precedentes desde un genero que sería influyente de toda la música popular de los años siguientes. The Supremes es la agrupación vocal femenina de mayor éxito en la historia de la música popular de Estados Unidos, y durante la llamada «Beatlemanía», fue el único grupo estadounidense que obtuvo numerosos éxitos sucesivos, al igual que el cuarteto británico.

De todas formas, ahí el rol de las discográficas también experimentaría un crecimiento de la música como mercancía, donde incluso se pensaría a las y los artistas como modelos capaces de imponer estilos y mas como actores o actrices que como artistas creativos. Pese a ellos, y las criticas al R&B, a la hora de producir «contenidos», Berry Gordy, el creador de Motown, se benefició de numerosas artistas femeninas.

Del hipismo a la bohemia urbana (1960s – 1970s)

Una historia de la presencia femenina en el rock de ninguna manera podría obvia el movimiento hippie y la revolución sexual de los años 60s y 70s. Y en ese contexto la presencia figura de Janis Joplin resulta una cita obvia. Su voz característica, su corta y turbulenta vida, pero sobretodo su legado musical, sigue siendo recordado por personas de distintas generaciones en todo el mundo.

https://www.youtube.com/watch?v=h66qXAK-q3o

A finales de la década del 60 los movimientos por los derechos civiles, al igual que la revolución sexual y el hipismo incidieron en la música. Jefferson Airplane es otra de las bandas características de esos tiempos. con Signe Toly Anderson primero y luego Grace Barnett Wing, más conocida como Grace Slick, en la voz principal, la banda formada en San Francisco fue participe de los tres festivales mas trascendentes de finales de la década del 60: Monterrey 1967, Woodstok 1969 y el trágico Altamont también en 1969.

Otro ejemplo de banda «mixta» también formada en San Francisco, y que tuvo una presentación destacada en Woodstock es Sly & the Family Stone. Si bien la banda estuvo liderada por Sylvester Stewart (más conocido como Sly Stone), su formación clásica integraba miembros blancos y negros por igual, y mujeres del mismo modo que hombres, por lo que se trata de la primera banda multirracial, compuesta por músicos de ambos sexos, que logró un éxito masivo a nivel nacional e internacional. La novedad de esta banda, a diferencia de otras con presencia femenina, es que la mujer no ocupa ese rol «tradicional» como cantante sino que se destacan como instrumentistas. Si el «molde» impuesto es «varones de celeste, mujeres de rosa» o «varones a los instrumentos, mujeres a cantar y bailar» Sly & the Family Stone pone en cuestión esos estereotipos establecidos.

https://www.youtube.com/watch?v=6Ptrc2cWRxU

Sly & the Family Stone supo fusionar el ideal hippie con mensajes de paz, amor y tolerancia, con música de raíz soul y funk, pero contaminada con un número interminable de influencias, desde el rock al blues, desde el pop al jazz; y todo ello con un estilo psicodélico complejo y elaborado. Una mezcla de armonía y naturaleza hippie con ritmos y sonidos urbanos.

Tanto el movimiento hippie, como los inicios del funk tuvieron un origen contestatario que fue resignificado por el mercado. Las ideas de revolución sexual de finales de los 60 fueron cooptados por parte del mercado transformando la imagen de una mujer conservadora al estilo The Supremes, hacia una imagen mas sexualizada pero dejando de lado los ideales de liberación. El funk, se transformó en música disco y aquellas voces de rebeldía se volvieron mas comerciales, se cosificaron.

Pero mientras el hippismo y el funk/soul mermaban en su función contracultural a principios de los años 70, otros nuevos movimientos se gestaban como respuesta. En 1967 una joven de 20 años nacida en Chicago abandonaba la universidad para mudarse a Nueva York. De perfil errante, Patricia Lee Smith viajó a Paris en 1969, donde comenzó a hacer actuaciones artísticas de performance en las calles. De regreso a Nueva Yor pasó los primeros años de la década del 70  Pintado, escribiendo y actuando, mientras frecuentaba los espacios referentes de la bohemia neoyorquina de esos años como el CBGB y el Max’s Kansas City. Además, Patti Smith realizó colaboraciones con músicos o recitando poesía, hasta formar su propia banda de Rock en 1974.

Si bien compuso muchas canciones, algunas de ellas con bastante éxito, una característica de Patti Smith fue la introducción de la poesía recitada al Rock. En sus inicios solía tomar una canción conocida e incorporarle fragmentos recitados escritos por ella. Un ejemplo es su versión de «Hey Joe» (la canción de rock escrita por Billy Roberts y popularmente conocida por haber sido versionada principalmente por Jimi Hendrix y luego por Deep Purple) con un añadido de palabra hablada que trataba sobre el secuestro y posterior fuga de Patty Hearst, una actriz que había sido secuestrada por por un grupo armado de izquierda denominado Ejército Simbiótico de Liberación (Symbionese Liberation Army o SLA), al cual luego se sumó y terminó detenida y encarcelada.

Algo similar hizo con la canción «Gloria» de Van Morrison,, incluida en su primer álbum titulado «Horses» de 1975, a la que le añade sus palabras con la frase:»Jesús murió por los pecados de alguien, pero no los míos». Luego continua con un recitado con fuerte contenido antimachista.

Durante los años siguientes Patti Smith siguió con una importante carrera como poeta y cantante. Probablemente su mayor éxito haya sido «Because the Night», a finales de los años 70, pero su carrera continuó hasta la actualidad.

El año pasado Patti Smith visitó Argentina, donde realizó dos presentaciones en el CCK. En una de ellas levantó el pañuelo verde apoyando la lucha por el aborto legal seguro y gratuito, siendo una de las primeras en hacer lo que luego un gran numero de artistas haría a lo largo del año.

Patti Smith, considerada «la madrina del Punk Rock», no solo fue una figura influyente de ese género, sino también una importante voz del feminismo dentro de la música y la poesía.

Cuando el Rock pesado no es «cosa de machos» (1970s – 1980s)

El Rock pesado tampoco es un patrimonio exclusivo de los varones. Su música mas fuerte y acelerada también tuvo presencia femenina durante sus años de expansión. Formada en Seattle por las hermanas Ann y Nancy Wilson, Heart convinó el sonido pesado de Led Zeppelin con influencias de música folk. Oriunda de Seattle, la ciudad que años atrás había visto nacer y partir a Jimi Hendrix, y que luego, en los años 90, sería el centro y (para muchas personas) la salvación del Rock, esta banda liderada por dos mujeres se plantó en un género que muchas veces se presenta como «patrimonio de la masculinidad». Heart vendió mas de 90 millones de discos en todo el mundo.

The Runaways fue una banda que combinó el Hard Rock y el Punk, integrada exclusivamente por mujeres adolescentes. Su corto período de actividad (entre 1975 y 1979) marcó tendencia e influencia en numerosas bandas femeninas durante los años 80s.

Entre sus integrantes son recordadas particularmente Joan Jett, Lita Ford y  Cherie Currie. La primera fue quien mayor éxito tuvo luego con su banda Joan Jett & The Blackhearts, conocida principalmente por «I Love Rock n Roll», una suerte de «himno» del Glam Rock de los años 80 y reversionado por diversas artistas en distintas ocasiones.

El movimiento Riot Grrrl y el género  alternativo (1980s – 1990s)

El punk no solo tuvo su versión «post» que en los años 80 viró hacia un pop más comercializable, que incluso tuvo como protagonistas a artistas anteriormente mencionadas o onfluenciadas por ellas ( Joan Jett con su banda,  Grace Slick ex Jefferson Airplane, en los 80s en Starship, o bandas femeninas como The Bangles, con un origen punk, luego mas moderado). El punk, con el primer legado de Patti Smith se fue diseminando en los márgenes. La influencia de los fanzines y la simpleza del «hágalo usted mismo/a» muy de punk, permitió la gesta de bandas e incluso movimientos.

A mediados de los 70, mientras Patti Smith lanzaba su álbum «horses», en un pequeño y apartado país se realizaba la primer huelga de mujeres. En ese contexto se forma una banda punk formada por mujeres adolescentes, que si bien no dejó registro audiovisual, fue considerada como precedente del movimiento Riot Grrrl. La banda en cuestion que se había formado en Islandia donde en 1975 ocurrió aquella mencionada huelga de mujeres, se llamaba Spit and Snot, y entre las jóvenes integrantes se encontraba una mujer de apellido Guðmundsdóttir, que en esa banda tocaba la bateria.  Mientras tocaba la batería en esta banda punk independiente, la joven mencionada ya tenía una carrera como cantante desde muy chica, con dos álbumes cantados en islandés y una carrera ecléctica y diversa que la llevaría por diversos estilos, desde su participación en otra banda punk, pero con elementos de jazz fusión llamada Exodus en 1979, o cantar en un coro de música barroca y con el que grabó en 1982 «la pasion según San Mateo» de Johan Sebastian Bach.

Björk Guðmundsdóttir siguió una carrera musica con una enorme diverstidad de estilos, desde el Punk, el postpunk, el jazz y la música electronica. Para evitarse problemas la critica simplemente la cataloga como «música alternativa», recursos ultilizado durante toda la decada del 90 para calificar cualquer estilo novedoso y que terminaría vanalazando la «alternatividad». El mismo año 82 donde Bjork participaba en un coro interpretando a Bach, formaba la banda Tappi Tíkarraun donde fue su vocalista. La banda combinaba punk, ska y el sonido «post punk» que el mundo recien estaba descrubriendo a partir del legado de Joy Division.

Mientras Bjork se daba a conocer fuera de Islandia, con su siguiente Banda The Sugarcubes y luego con su carrera solista,

La necesidad de cambiarlo todo

Las influencias estaban, la presencia femenina estuvo ahí, en los años previos, pero un puñado de «ejemplos exitosos» a pesar de las condiciones de desigualdad, no es suficiente para cambiarlo todo. A Principios de los años 90s, muchas mujeres que no querían ser grtoupies, ni estar en la fila de atras de los conciertos o con roles ya estrablecidos, se unieros. Este procesos se da gracias a distintas iniciativas subterranes de bandas under en Estados Unidos con sellos independientes y radios alternativas. El movimiento Riot Grrrl es ua respuesta colectiva, un movimiento de rock feminista, que tiene como influencias fuertes a varias de las artistas mencionadas anteriormente. Sus letras cantan rebeldia contra el sistema, enfocandose principalmente en el patriarcado pero sin dejar de lado las miserias sociales impuestas por el mercado. “Porque odiamos al capitalismo en todas sus formas y creemos que nuestro mejor logro es compartir la información y mantenernos vivas en lugar de generar ganancias según los estándares establecidos”, decía una de las declaraciones del «Manifiesto Riot Grrrl»  publicado en en fanzine de la banda Bikini Kill, y difundida luego por el movimiento.

Hay distintas versiones sobre la fundación del movimiento como tal: una de ellas habla de un caso de gatillo facil en el que un joven salvadoreño fue asesinado por un tiro en el pecho, por parte de la policía. El hecho desembocó en una serie de manifestaciones y revueltas conocidas como Mount Pleasant Riot. A partir de este episodio, una de las versiones atribuye una frase a Jen Smith, inegrante de la banda Bratmobile, en una carta en la que dice «We need to start a girl riot«. (Necesitamos empezar una revuelta de chicas). El nombre «Riot Grrrl» terminaría de tomar forma al fusionarse con la expresión «grrrl» con (tres r) para expresar la rabia en forma de gruñido.

El Fanzine Riot Grrrl, fue impulsado por integrantes tanto de la banda Bikini Kill como Bratmobile y también fue promotor de la «convención Riot Grrrl» organizada a mediados de 1992 en Washington.

El movimiento Riot Grrrl contó con muchas bandas entusiastas y muchas otras asociadas, a su vez fue influyente de bandas punk feministas por todo el mundo. La asociasión con la banda rusa Pussy Riot, que tantos conflictos tuvo por cuestionar a la Rusia Machista gobernada por Valdimir Putin, que desembocó en el encarcelamiento de sus integrantes años atrás, y que en el pasado mundial de fútbol las tuvo protagonizando una acción ingresando al campo de juego, tiene un clara influencia en este movimiento, mas allá del cuestionado «marco de alianzas» durante la campaña mundial por su liberación,

Bandas como L7 o Babes in toyland, están asociadas al movimiento a pesar de no haber tenido una participación organica dentro de este, como si la tuvieron Bikini Kill o Bratmobile.

La referente de Bikini Kill,  Kathleen Hanna sigue siendo una voz de difusión de aquel movimiento y del rock feminista. Su amistad con Kurt Cobain dejó una influencia muy fuerte en la banda mas referenciada de los años 90 y los elementos feministas en el recordado trío.

Un episodio muy vinculado a la historia feminista de Nirvana tuvo que ver con el publico «machirulo» de Argentina, cuando el maltrato a Calamity Jane, la banda telonera de Nirvana en su vista en 1992, generó la bronca de la banda, que salió a presentarse sin ganas y con un set de canciones en su mayoría desconocidas, amagando con tocar «Smels like Teen Spirits pero sin hacerlo (algo que ocurrió también en otros conciertos de la banda).  “Fue una gran oleada de machismo y sexismo” había sido una de las frases de Kurt Cobain para calificar al público. “Lo que sucedió en Buenos Aires fue que todo era inmenso y que teníamos una barrera con el lenguaje” Declaró luego  Gilly Ann Hanner, guitarrista y cantante de Calamty Jane, en entrevista con El País. “Estábamos fuera de nuestro elemento, mientras nos arrojaban monedas, escupidas, piedras y algunos incluso exhibían sus penes. Nos gritaban “¡putas!” y mostraban los genitales, así que más allá de la impaciencia que podían tener por ver a Nirvana, lo tomamos como algo de género”. También recordó el gesto de Kurt hacia ella y la banda: “Nos dijo que consideraba negarse a tocar, pero que romper el contrato hubiese sido algo malo para sus compañeros de banda y su crew”.

La banda no canceló el concierto pero tampoco se quedó de brazos cruzados, lo que en su momento pudo haber sido desilusión por un concierto debajo de algunas expectativas fue una enorme lección contra la violencia de género, planteada por varones sobre como se debería actuar: no hubo «complicidad entre machos» ni indiferencia, hubo disrrupción y rebeldia incluso contra la audiencia. “Durante todo su repertorio, toda la audiencia estaba arrojando dinero y todo lo que tenían en sus bolsillos, basura y piedras, solo amedrentándolas. Eventualmente las chicas no pudieron más y comenzaron a llorar. Fue terrible, una de las peores cosas que he visto, una gran masa de sexismo”. En el álbum «Incesiticide», un EP editado poco tiempo después de aquel concierto, Kurt Cobain hace referencia a «20.000 macho boy in Argentina» recordando aquel episodio.

La advertencia de Kurt, pudo no haber sido escuchada en su momento, pero con tantas bandas argentinas denunciadas por violencia de género y empresarios del Rock que discriminan a artistas femeninas, podemos afirmar que su advertencia estaba en lo cierto.

Esta nota solo mencionó a algunas artistas femeninas y algunas anécdotas que las vinculan en la historia del rock. De ninguna manera supone que sean lo único y obviamente descuida otras expresiones existentes. Es solo una introducción y una invitación a seguir buscando, a seguir escuchando y a seguir cuestionando.